Imagens do modernismo no brasil-Amanda 02

cartaz da exposição da arte moderna:

Heitor Villa-Lobos- Postado por Bettina D. Valentim nº: 05 7A

Heitor Villa-Lobos nasceu no dia 5 de março de 1887 no Rio de Janeiro e morreu no dia 17 de novembro de 1959 no Rio de Janeiro.Ele foi um grande compositor brasileiro.Ele foi responsável pela descoberta da linguagem peculiarmente brasileira em música, ele fez canções folclóricas,populares e indígenas.Começou a estudar muito cedo , porquê sua mãe queria que ele se tronasse médico.Mas seu pai, que trabalhava na Biblioteca nacional e amador de música, deu para Heitor uma viola adaptada. Aos 12 anos perdeu seu pai, quando começou a tocar violoncelo em teatros, cafés e bailes, ictéricos pela música dos “chorões”, que era a melhor musica popular do Rio de Janeiro, ele também começou a tocar violão.Em 1913 Villa-Lobos casou com a pianista Lucília Guimarães. Em 1915 teve seu primeiro concerto com obras da sua autoria.Em 1922 ele participou da Semana da Arte Moderna. No ano seguinte vai para a Europa, e so volta para o Brasil em 1924.Em 1930 ele faz uma turnê por 66 cidades. Nesse ano realiza a “Cruzada do Canto Orfeônico” no Rio. Seu casamento com Lucília termina nesse ano ,também, por que ela acaba morrendo de câncer.Depois se cassa com Arminda Neves d'Almeida mais conhecida como Mindinha, que era uma ex-aluna de Villa-Lobos, que quando morreu ela foi encarregada da divulgação de uma obra. Em 1960 foi criado o Museu Villa-Lobos pelo governa do Brasil no Rio de Janeiro.O Teatro Municipal de São Paulo foi o primeiro lugar que ele se apresentou.As primeiras composições de Villa-Lobos tem o estilo europeus na virada do século XIX para o século XX, com influencia de Wagner, Puccini. Teve aula com Frederico Nascimento e Francisca Braga.Villa-Lobos foi criticado pela crítica especial de época. Ele foi para Paris em 1923 para ter mais experiência pela música da época.Voltou ao Brasil no tempo da revolução de 1930.Villa-Lobos foi apoiado pelo estado novo a devolver um projeto educacional , que ele acabou fazendo uma música chamada Guia Prático.Villa-Lobos usava combinações inusitadas ,arcadas bem puxadas nas cordas, uso de percussão popular e imitação de cantos dos pássaros.Ele não apoio ou defendeu nenhum movimento e continuou por muito tempo não conhecido pelas pessoas do Brasil.Villa-Lobos ganhou vários prêmios nacionais e internacionais.Ele recebeu muitos títulos mais entre eles está o que o Doutor Hanaris Causa Le deu pela Universidade de Nova Iorque e foi o primeiro presidente da Academia Brasileira de Música.Ele apareceu nos filmes Baianas Brasileira: Meu nome é Villa-Lobos (1979- depois de sua morte), O Mandarim (1995- também depois de sua morte) e Villa-Lobos – Uma vida de Paixão (2000 - Bem depois foi sua morte) e apareceu em um filme da Disney chamado Alô,Amigos do lado do próprio Walt Disney.Em 1986 Heitor Villa-Lobos apareceu na nota de 500 cruzados.

O desenvolvimento do Mordenismo no Brasil-por Melyssa Wang n.o 23

O Brasil tem de marco simbólico do Modernismo, a Semana de Arte Moderna, ocorrida no Estado de São Paulo, em 1922.Isso foi considerado o divisor de águas na história cultural brasileira.Foi feito por um grupo de artistas e intelectuais, que com o tempo do Centenário da Independência, declaram o rompimento do tradicionalismo cultural, associado com as correntes literárias e artísticas de antes: o simbolismo, o parnasianismo e a arte acadêmica.Queriam um novo ponto de vista e o comprometimento com a independência cultural do Brasil, fazem o Modernismo que quer dizer: "estilo novo".Estudiosos, preferem, considerar o ano de 1922 a 1930, a fase que se evidencia um compromisso, primeiramente dos artistas com a renovação estética, com o benefício das vanguardas européias(cubismo,futurismo,surrealismo e etc.).O Modernismo é dividido em três fases, a primeira foi a mais forte e totalmente oposta atudo de antes, foi cheia de irreverência e escândalo, a segunda foi mais agradável, que fez surgir romancistas e poetas, já a terceira, que também pode ser chamada de Pós-Modernismo, que impedia a primeira e por isso, foi ridicularizada com o apelido de: neoparnasiasmo.

• PRIMEIRA FASE:

Caracterizada pela tentativa de definir e marcar posição, sendo rica de muitos manifestos e revistas.
Queria a busca no Moderno, original e polêmico.Volta das origens, através da valorização da indígena e da falada pelo povo, também foram comentados.

• SEGUNDA FASE:

De 1930 a 1945, a segunda foi cheia de produção poética e prosa. Amplia com a preocupação dos artistas com o futuro do homem e seu estar no mundo.A contrário da de antes, foi construtiva.Não sendo brusca as poesias.Vários poetas de 1930,"pegaram" as experiências de 1922, como por exemplo: a liberdade temática, o gosto da expressão atualizada ou inventiva e outros.Começaram a aprimorá-la, continuando com a tarefa de purificação de meios e formas encaminhando e ampliando a temática da inquietação filosófica e religiosa.
Já a prosa, ampliava o interesse de colocar novas preocupações de política, social, econômica, humana e espiritual.Foi sucedida da gravidade de espírito, seriedade da alma, meios e propósitos.Isto foi grave, confessando uma postura séria com a relação ao mundo, que dores, consideravam responsável.

• TERCEIRA FASE:
  

Como o cenário sócio-político do Brasil se transformou, a literatura também se transformou.O fim da Era Vargas, a Ditadura Militar e outros, foram de grande influência na terceira fase.Tanto no romance, na prosa, quanto no conto, teve a busca de uma literatura intimista,de busca psicológica e introspectiva, de destaque:Clarice Lispector.A religião, no mesmo tempo, ganhou uma nova dimensão com a recriação e da fala sertaneja com Guimarães Rosa, penetrando-se na psicicologia do jagunço do Brasil Central.Com a pesquisa desta linguagem, foi um traço característicos dos autores referidos, receberam o nome de instrumentalistas.Em 1945, aparece poetas opositores e inovações modernistas de 1922.A nova proposta foi defendida pela revista "Orfeu" no ano de 1947.Rejeitando a liberdade formal, ironias, sátiras e outras criações modernistas, os poetas daquele tempo uma poesia " equilibrada e séria" tendo como modelo os Parnasiasmos e Simbolistas

Catálogo da Semana de Arte Moderna feita por Di Cavalcanti

















Jornal falando sobre o primeiro dia da Semana de Arte Moderna





FONTES:

http://www.pitoresco.com/art_data/semana/05.jpg
http://www.febf.uerj.br/pesquisa/images_semana/semana_jornal.JPG
http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm?fuseaction=termos_texto&cd_verbete=359
http://pt.wikipedia.org/wiki/Modernismo_no_Brasil

Mário de Andrade - Blanche Sharon Cho /06

Mário de Andrade nasceu em 9 de outubro de 1893 (SP).
Foi um: poeta, romantismo, crítico de arte, musicólogo modernista do Brasil, e produziu um grande impacto na renovação literária e artística do país, participando da "semana de arte moderna 22".
Trabalhou como diretor do departamento municipal de cultura de São Pulo.
Mário de Andrade construiu praticamente toda a sua vida da metrópole na cidade.
Estudou e também lecionou por muitos anos, desde cedo, demonstrando sua paixão pela cidade. Durante sua vida, criou muitas obras fortes com outros nomes do país, se correspondendo frequentemente com grandes artistas brasileiros, como:
- Manuel Bandeira
- Carlos Drummond
- Oswald de Andrade
- Tarsila do Amaral
- Fernando Sabino
- Augusto Meyer
Mário de Andrade, falesceu dia 25 de fevereiro de 1945, após décadas de trabalho, desempenhando-se em estilo Vanguarda.

Água preciosa

Manifesto sobre a água.

A Água é bem importante não é lixo que joga fora...

Ela é o único tesouro mais valioso que existe no universo.

Se não tiver a água nós morremos todos os seres vivos que existem no universo depende dela.

Que a humanidade tenha inteligência e sensibilidade necessárias para garantir esse bem às próximas gerações.

Sem água ficamos sujos, doentes, pior ficamos sem a preciosa vida... O planeta acabará...

Que toda a raça julgada esclarecida não subjugue a força dos elementos da natureza.

Que todo líquido seja reverenciado como portador do maior de todos os bens.

E que no final de tudo, não tenhamos como única saída apenas uma gota de lágrima para derramar.

Economize a água, não joga fora a sua vida.

Escrito por Ingrid n.14, Bettina n.5 , Melyssa n.23 , Sharon n.6, Amanda n.2, Katharina n.16.

Obras de Portinari- Por Katharina Giglio 7A 16

Abaixo algumas obras de Cândido Portinari:

"Casamento na Roça"

Medida: 98 x 79 cm

Ano: não especificado

"Cangaceiro"

Medida: 65 x 54 cm

Ano: 1955

"O Lavrador de café"

Medida:100 x 81 cm

Ano: 1939

Fontes: http://acvieira.arteblog.com.br/r112/CANDIDO-PORTINARI-Referencias-Artisticas/

http://pt.wikipedia.org/wiki/O_Lavrador_de_Caf%C3%A9

Biografia de Cândido Portinari- Por Katharina Giglio 7A 16

Filho de imigrantes italianos, Cândido Portinari nasceu no dia 29 de dezembro de 1903, numa fazenda de café nas proximidades de Brodósqui, em São Paulo. Com a vocação artística florescendo logo na infância, Portinari teve uma educação deficiente, não completando sequer o ensino primário. Aos 14 anos de idade, uma trupe de pintores e escultores italianos que atuava na restauração de igrejas passa pela região de Brodósqui e recruta Portinari como ajudante. Seria o primeiro grande indício do talento do pintor brasileiro.
Aos 15 anos, já decidido a aprimorar seus dons, Portinari deixa São Paulo e parte para o Rio de Janeiro para estudar na Escola Nacional de Belas Artes. Durante seus estudos na ENBA, Portinari começa a se destacar e chamar a atenção tanto de professores quanto da própria imprensa. Tanto que aos 20 anos já participa de diversas exposições, ganhando elogios em artigos de vários jornais. Mesmo com toda essa badalação, começa a despertar no artista o interesse por um movimento artístico até então considerado marginal: o modernismo. Um dos principais prêmios almejados por Portinari era a medalha de ouro do Salão da ENBA. Nos anos de 1926 e 1927, o pintor conseguiu destaque, mas não venceu. Anos depois, Portinari chegou a afirmar que suas telas com elementos modernistas escandalizaram os juízes do concurso. Em 1928 Portinari deliberadamente prepara uma tela com elementos acadêmicos tradicionais e finalmente ganha a medalha de ouro e uma viagem para a Europa.
Os dois anos que passou vivendo em Paris foram decisivos no estilo que consagraria Portinari. Lá ele teve contato com outros artistas como Van Dongen e Othon Friesz, além de conhecer Maria Martinelli, uma uruguaia de 19 anos com quem o artista passaria o resto de sua vida. A distância de Portinari de suas raízes acabou aproximando o artista do Brasil, e despertou nele um interesse social muito mais profundo.
Em 1931 Portinari volta ao Brasil renovado. Muda completamente a estética de sua obra, valorizando mais cores e a idéia das pinturas. Ele quebra o compromisso volumétrico e abandona a tridimensionalidade de suas obras. Aos poucos o artista deixa de lado as telas pintadas a óleo e começa a se dedicar a murais e afrescos. Ganhando nova notoriedade entre a imprensa, Portinari expõe três telas no Pavilhão Brasil da Feira Mundial em Nova Iorque de 1939. Os quadros chamam a atenção de Alfred Barr, diretor geral do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA).
A década de quarenta começa muito bem para Portinari. Alfred Barr compra a tela "Morro do Rio" e imediatamente a expõe no MoMA, ao lado de artistas consagrados mundialmente. O interesse geral pelo trabalho do artista brasileiro faz Barr preparar uma exposição individual para Portinari em plena Nova Iorque. Nessa época Portinari faz dois murais para a Biblioteca do Congresso em Washington. Ao visitar o MoMA, Portinari se impressiona com uma obra que mudaria seu estilo novamente: "Guernica" de Pablo Picasso.
No final da década de 40 Portinari se filia ao Partido Comunista Brasileiro (PCB) e concorre ao Senado em 1947, mas perde por uma pequena margem de votos. Desiludido com a derrota e também fugindo da caça aos comunistas que começava a crescer no Brasil, Portinari se muda com a família para o Uruguai. Mesmo longe de seu país, o artista continua com grande preocupação social em suas obras. Em 1951 uma anistia geral faz com que Portinari volte ao Brasil. No mesmo ano, a I Bienal de São Paulo expõe obras de Portinari com destaque em uma sala particular. Mas a década de 50 seria marcada por diversos problemas de saúde. Em 1954 Portinari apresentou uma grave intoxicação pelo chumbo presente nas tintas que usava. Desobedecendo a ordens médicas, Portinari continua pintando e viajando com freqüência para exposições nos EUA, Europa e Israel.
Em 1960 nasceu sua neta Denise, que passou a ocupar boa parte de seu tempo. Pintou muitos quadros com o retrato dela. Quando não estava com Denise, Portinari passava horas fitando o mar, sozinho. No ano seguinte escreveu um ensaio de oração para a neta.

A Morte

Desobedecendo a ordens médicas, Portinari continua pintando e viajando com freqüência para exposições nos EUA, Europa e Israel. No começo de 1962 a prefeitura de Milão convida Portinari para uma grande exposição com 200 telas. Trabalhando freneticamente, o envenenamento de Portinari começa a tomar proporções fatais. No dia seis de fevereiro do mesmo ano, Cândido Portinari morre envenenado pelas tintas que o consagraram.
Seu filho João Candido Portinari hoje cuida dos direitos autorais das obras de Portinari.

Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/C%C3%A2ndido_Portinari